Александр В. Цыплухин ,
звукорежиссер.
Раз Вы читаете эту статью, значит слова «Сведение и Мастеринг» Вам знакомы и эта тема Вас беспокоит. Дайте попробую догадаться почему. Вы написали и свели десяток треков, но что то Вас не устраивает? Ваши клиенты, для которых Вы сводите не довольны результатом, да и Вы сами тоже? Мне тоже знакома эта ситуация. Двадцать первый век, второе десятилетие. Сорок лет назад для меня это время было космически не досягаемо, как и современный уровень компьютерных технологий. Вы хотите создавать музыку? Нет проблем! Берем средний компьютер, покупаем программу Cubase - и вперед!!! Весь мир музыкальных инструментов в Вашем распоряжении!!! На сегодняшний день такие программы, как Cubase, Logic Pro или Pro Tools позволяют делать музыку, сидя на диване, в своей спальне.
Купить программу просто, а самому разобраться «как оно там все работает?» - задача требующая неимоверных усилий. Ты тыркаешься, как слепой котенок, не понимая, что надо делать. Но вот - ура! - получилось! Ты написал свою первую композицию, показал другу, коллеге, сам послушал и понимаешь, что у остальных звучит лучше. Оказывается, что ты должен стать еще и звукорежиссером.
Следующий этап - идем на форум или конференцию и читаем советы «бывалых».
Как сделать «бочку», чтоб качало, а «дробовик» пожирнее? И так далее… Типичная проблема - голос не «ложится» в фонограмму. Другими словами, звучит не вместе с бэнндом, а сам по себе, отдельно. На форумах и конференциях Вы найдете советы типа «надо освободить место для вокала, вырезать эквалайзером у инструментов частоты, которые занимает голос и т. д. Чушня. В девяти случаев из десяти голос не «ложится» в фонограмму потому, что не правильно выстроено пространство, расстояние до вокалиста. Не читайте форумы и конференции, там пишут либо такие же дилетанты, как Вы, если Вы начинающий, либо профессионалы, которые говорят правильные вещи, но, будучи вырваны из контекста и без такого же опыта, как у них, Вы просто не способны понять, что они имели ввиду. И еще одно, как правило, комментарий профессионала можно применить только к тому конкретному треку и тому случаю, о котором он говорил. Другая песня, другая ситуация - и его совет может быть диаметрально противоположен предыдущему. Каждая ситуация уникальна.
То, о чем мы будем говорить дальше - как раз для тех, кто уже вдоволь начитался форумов и просмотрел массу видеоуроков. Этой статьей я начинаю серию, призванную помочь «домашним» звукорежиссерам, студентам ВУЗов по специальности. Звукорежиссер научится сводить треки, правильно понимать акустическое пространство, динамическую обработку, эквализацию инструментов, эстетику и философию звука. Вперед!
Для того, что бы научиться сводить, звукорежиссеру необход
имо овладеть техникой сведения и основными инструментами, используемыми для этого.
В руках у звукорежиссера четыре основных инструмента - это компрессор, эквалайзер, панер и приборы временной обработки.
Однако, прежде, чем обсуждать инструментарий, поговорим о самом важном элементе в студии звукозаписи.
Мониторинг. Мониторинг - это тот элемент, через который вы воспринимаете весь мир музыки и звуков в Вашей студии. Это Ваши очки, через которые Вы смотрите на мир. Если это бытовая акустика, то она, как правило, красит звук и Вы смотрите на мир через «розовые» очки. Если это недорогая мультимедиа акустика, то Вы смотрите на мир через кривые пластиковые стекла и весь мир становится серым и мутным, ничего разглядеть невозможно и т. д.
Итак, чем же конкретно отличается недорогой мониторинг от качественного? Первое - это точность воспроизведения во всем частотном диапазоне. То есть, на недорогих мониторах частота 50 и 55 Гц или 4,5 и 5кГц будут звучать одинаково, а на качественных разница будет. Второе - это равномерность частотной характеристики. К примру в песне Стинга «All four seasons» басовая партия звучит в очень широком диапазоне и все ноты звучат ровно и одинаково по громкости. Возьмите этот трек и протестируйте. Если на Ваших мониторах это не так, то как Вы собираетесь формировать нижнюю часть спектра при сведении? Третье - это динамические характеристики мониторов. Если на Ваших мониторах не слышно разницы между атакой на компрессоре в 2 и 8 мсек (партия ударных), то Вы наверняка ошибетесь с компрессией.
ИНСТРУМЕНТАРИЙ.
Компрессор позволяет сделать звук острее или мягче, агрессивней или тембрально насыщенней, длиннее или короче. Компрессор может заставить вокалиста «плеваться» в микрофон или шептать Вам на ухо, выровнять разницу между куплетом и припевом, между гласными А и У.
Эквалайзер может приблизить или отдалить объект, сделать его тонким или жирным, или просто устранить частотные конфликты между инструментами и правильно сформировать частотный баланс.
Панер. Панорамирование позволяет не только перемещать объекты слева направо, но и делать их уже или шире, большими или маленькими.
Приборы временной обработки позволяют правильно организовать виртуальное пространство, приближать и отдалять инструменты, заставить их вращаться, сделать их больше, размещать инструменты в разных пространствах на разных расстояниях от слушателя. Вот и все, что Вам необходимо для того, чтоб сделать хороший микс.
От того, как Вы владеете техникой работы с этими четырьмя инструментами, зависит конечный результат. Дело за малым - научиться пользоваться этими инструментами.
Как мы учимся сводить. Обучение сведению схоже с обучением иностранным языкам. Как мы учим иностранный язык. Сначала мы запоминаем несколько слов. Потом мы начинаем узнавать эти слова в предложениях, потом мы начинаем понимать простые фразы, из фраз складываются предложения, и дальше в нашей голове складывается смысл и образ сказанного. В конце концов, Вы уже не переводите сказанное на родной язык, а думаете на иностранном языке, мыслите образами а не предложениями, учиться пользоваться этими инструментами.
Примерно так же и в звуке. Проделав правильно компрессию двадцати треков kick drum, Вы сможете узнавать тип компрессии, примененный в других треках, сведенных мастером. Выполнив десяток упражнений по построению виртуального пространства, перемещая объекты ближе, дальше, правее, левее, Вы научитесь «читать» пространство в чужих миксах.
Теперь мы подошли к важной мысли. Как мы можем научиться сводить? Научится сводить треки мы можем только научившись «читать» чужие миксы.
Критическое слушание.
Упражнение 1.
Возьмите трек из своей домашней библиотеки, прослушайте его критически несколько раз и постарайтесь ответить на вопросы.
Какая бочка? (Низкая, высокая, острая, глухая,….)
Какой бас? (низкий глубокий, высокий рычащий)
Как бочка и бас работают вместе?
Какой инструмент находится ближе всех? (расстояние в метрах)
В какой акустической среде происходят события? Как выстроено пространство? (Гараж, огромный зал, клуб…)
Повторяйте это упражнение всегда, когда Вы слушаете музыку!
Упражнение 2.
Находясь в новом помещении или на улице, хлопните в ладоши и попробуйте определить время реверберации, наличие четких повторений, их время в мсек., окраска реверберации (дерево, камень, металл….)
Повторяйте это упражнение всегда, когда попадаете в новую обстановку.
Будьте осторожны!!! Окружающие могут Вас не понять и набрать 112!!!
Упражнение 3.
Выберите десять треков из своей фонотеки, загрузите их в редактор, нарезав по двадцать секунд от каждого и соедините их через коссфейды. Теперь прослушайте получившийся трек.
Такое упражнение покажет Вам многообразие мира звука, и даст понимание, что есть хороший микс.
Основные этапы сведения:
Концепция;
Спектральный баланс;
Динамическая обработка и временная организация треков;
Музыкальный баланс и построение формы;
Построение виртуального пространства;
Финальный микс.
ПРОДОЛЖЕНИЕ СЛЕДУЕТ…
Сведение — это, в общем-то, и есть один из основных и самых важных навыков диск-жокея. Поупражнявшись сводить композиции, вы сможете брать любые два трека (которые, конечно же, окажутся записанными на разных скоростях) и «соединять» их воедино, создавая то самое, что называется «микс» и что вы можете услышать в клубах, где играют хорошие ди-джеи.
Выглядит и кажется процесс весьма простым, а заключается он в синхронизации композиций. Да-да, это и звучит просто. Но здесь и заключается основной облом, с которым сталкиваются ребятки, любящие поспорить на тему «Я — Диджей!». Тем не менее, именно этот навык из тех, что требуют дикого количества времени для отработки, практики, мучений. Но даже когда вы научитесь сводить треки без единого лишнего движения, все еще останется что-то, чему предстоит научиться.
Жизнь, как и технологии, штука изменчивая
Итак, что же конкретно делает процесс сложным? В принципе, ничего особенного… кроме самого процесса. Когда ты впервые встаешь за вертушки, в голове носятся мысли, типа: «Да ща я их сведу и все будет круто,» — но всего через пару часов ты уже с неприкрытой злобой смотришь на «эти дурацкие винилы», готовый заорать: «[цензура], да сводитесь же вы, [цензура]!». Скорее всего, сначала у вас получится нечто такое: ставите одну пластинку, и пока она раскручивается, ставите вторую. И вот пока вы пытаетесь подогнать одну скорость под другую, замечаете, что один из треков-то уже закончился. И такое чудо повторяется раз за разом, раз за разом.. И бесит, бесит вас. К чему я это пишу? К тому, что, если вы готовы вот таким образом себя мучить, то вы уже на полпути к умению сводить!
Итак, с чего начать? Для начала теория. Итак, что есть бит (beat = удар)? Бит — это те самые барабанные «бум-бум-бум», которые вы, я полагаю, уже не одну сотню раз слышали в своей жизни. С другой стороны, в композиции не обязательно присутствует барабан. Тогда бит задается, например, тарелочками («унц-унц-унц») или чем-то иным. Для учебы советуем брать пластинки с хорошо различимым барабанным битом, хотя бы потому, что композиции подобного типа наиболее типичны. Некоторые начинающие ди-джеи задают вопрос: «А что делать, если некоторое время при проигрывании трека не слышно барабана? Значит ли это, что на данный момент в композиции отсутствует бит?» Ответ прост: конечно же, не значит. Понимайте слово «бит» как «ритм».
Когда вы слышите композицию и вас тянет, например, притопывать ногой, кивать головой или же трясти любой другой частью тела с некоторой периодичностью, то вы чувствуете ритм. Именно он заставляет вас делать подобные телодвижения.
Бит нашли, что такое и с чем едят, поняли. Теперь надо запомнить следующую вещь: в некоторых композициях очень сложно найти это самое чудо — бит. Но если вы его-таки нашли, и вдруг он пропадает (например, зазвучал инструментальный проигрыш), вам надо ни в коем случае не потерять найденное. То есть, считаете мнимые «удары» в уме. Кстати, если вы не знаете, скорость записи измеряется в «BPM» (би-пи-эм — «beats per minute» или «удары в минуту»). Иногда значение «bpm» напечатано на обложке пластинки, но не волнуйтесь, если его там не окажется — данную величину можно примерно вычислить. Было бы даже идеально узнать и записать скорости всех тех пластинок, с которых вы решили начать обучение!
Например, скорость типичной хаус-композиции примерно равна 125 bpm. Если вы не знаете, что за трек будет идти следующим, выберите какой-нибудь в районе 125-130 ударов в минуту — тогда ошибиться будет сложно. Чтобы вычислить скорость записи, для начала надо установить бегунок питча по цетру (0%). Затем начинается страдание маразмом: нужно посчитать, какое же количество ударов вы слышите ровно за 1 минуту. Если подобное занятие вас удручает, можете скачать программку «BPM Counter» на телефон. Запустив ее, просто тыкайте в экран каждый бит по разу — в итоге вы получите результат: скорость композиции будет выведена на экран.
Теперь, когда вы научились определять количество ударов в минуту, вам необходимо знать, что бит, как правило, собран в группки по 4, 8, 16 и 32. Например, если трек начинается с басс-драма (хорошо различимый барабан), и вам надо посчитать удары, то скорее всего эдак после 16-го или 32-го из них в композицию будет введен новый сэмпл. Эта самая группировка в «кучки» по 4 действительна практически для всех треков и является той фишкой, которую неплохо было бы запомнить. Почему? Пусть вы даже подогнали скорости композиций, но, смиксовав их без учета «позиции» (т.е. группки ударов), вы можете тут же обломаться (чуточку изменится звучание основного трека, и все летит в тар-тарары). Необходимо же создать настолько гладкий микс, что отличить начало одной и конец другой композиции было бы сложно. Не волнуйтесь, если все расписано несколько сумбурно: к данному вопросу мы вернемся позже. Если у вас прямо сейчас под боком есть какой угодно трек, возьмите его и убедитесь, что после 16 или 32-го ударов хоть что-то в треке да меняется. Даже если это окажется не так, советую не забывать это…
Вооружившись выше написанной теорией, вы можете смело приступать к учебе. В дальнейшем описании подразумевается, что у вас под рукой две вертушки: левая и правая (которые мы будем называть «дек-1» и «дек-2» соответственно). То, что находится между агрегатами — микшер. Итак, «дек-1» — это наш «лайв» (т.е. с нее изначально будет играться пластинка с которой мы и будем сводить трек с «дек-2»). «Дек-1» не трогать ни при каких обстоятельствах! Любые изменения звучания основной композиции будут слышны людям на танцполе, что моментально спишет все ваши усилия по созданию микса на нет.
Вся работа должна производиться исключительно с «дек-2» и наушниками. Таким образом только вы будете слышать что на самом деле происходит, и сможете полностью контролировать ситуацию. Пока «дек-1» играет, вы прислушиваетесь к ее биту, запоминая его максимально точно (в конце конов, это и есть то, с чем вы собираетесь сводить «дек-2»!). В это время бегунок кроссфейдера (на микшере, конечно) должен быть точно слева (что означает, что играет «дек-1» на 100% установленной громкости). Теперь воспользуйтесь регулятором громкости звучания композиций в наушниках (CUE MIX) и установите его так, чтобы в «ушах» вы слышали «дек-2». Советуем одевать «уши» так, чтобы лишь одно ваше ухо было накрыто. Таким образом, в одном ухе у вас «бумкает» «дек-2», а через другое вы слышите как колбасит на весь зал «дек-1».
Следующий шаг — найти хорошее место в композиции «дек-2», с которого можно начать. Идеал — это первый же удар основного барабана. Немного прокрутите пластинку вперед, затем назад (подогнав иглу к самому началу трека на «дек-2»). Внимательно слушайте композицию «дек-1», затем (как только вы посчитаете, что готовы) отпустите вторую пластинку и слушайте снова…
Хоть «отпустите» и звучит просто, это требует некоторой практики. Вы должны научиться так отпускать пластинку, чуть-чуть ее подталкивая, что она набирает необходимую для сведения скорость и первый же удар с «дек-2» попадает точно в нужное «место» игры «дек-1». Если толкнете слишком сильно, вы хряпнете свой микс с самого начала. Для того, чтобы научиться, сделайте вот что: пусть «дек-1» играет себе и играет, а вы отгоните пластинку на «дек-2» на начало и дождитесь следующего куска:
Теперь, когда вы умеете «отпускать вовремя и в бит», можно начать учиться синхронизации скоростей. Фишка в том, что нужно очень и очень внимательно слушать оба трека одновременно после того, как вы отпускаете пластинку
(очередной навык, приходящий с месяцами мучений). Сконцентрировавшись на синхронности звучания обоих треков, вам нужно определить, звучит ли «дек»-2 слишком быстро или слишком медленно. От того, насколько быстро или медленно воспроизводится композиция со второго источника, зависит то, насколько вам предстоит подправить положение бегунка питча. Звук неверно сведенных треков называется «перебитовка» или «паровоз» и звучит примерно так: «ту-дум ту-дум.» И такое несовпадение лишь ухудшится с течением времени (это-то и есть кошмар ди-джея). Я полагаю, вы понимаете, о чем идет речь, ибо все встречаются с такой неприятностью в начале своего обучения.
Поэтому как только вы услышите начинающуюся перебитовку, вам надо сделать одно из двух: первое — это остановить, вернуть на начало вторую запись, после чего отрегулировать питч и запустить ее заново; второе — это более сложный способ, требующий некоторого умения: надо отрегулировать питч прямо «во время полета».
Первый шаг — это подогнать бит с «дек»-2 к биту «дек»-1 путем легкого подталкивания или притормаживания (в зависимости от вида перебитовки) пластинки. Как только бит совпадает, можно обратиться к питчу. Например, если вам пришлось подталкивать пластинку для синхронизации битов, то питч следует поднять чуть выше (и наоборот). Когда вам покажется, что процесс сведения завершен, послушайте-ка еще раз то, что получается при одновременном звучании двух треков: вы можете быть неприятно удивлены результатом. 🙂 Естественно, для такого прослушивания лучше использовать регулятор «Cue Mix» (Два трека в «ушах» одновременно). Если все замечательно, то, видать, судьба. Смело беритесь за кроссфейдер и — вперед!
Да, не отрицаю, что потребуется время для того, чтобы вы научились с легкостью сводить треки. Не стоит выбрасывать пластинки, крушить вертушки и микшер, если у вас сотню раз подряд не хватает времени для сведения. Попробуйте в сто первый раз — у вас получится. С каждой попыткой время, требуемое для синхронизации композиций, будет уменьшаться. Когда вы отточите мастерство до устраивающей вас отметки, вы увидите, что времени для поиска ответа на вопрос: «С какого момента лучше начать выведение второго трека?» — будет на порядок больше. Удачи!
DJ School: Как сводить треки на виниле
5 1 voteМузыканты, диджеи, сиджеи, и те, кто только учатся писать музыку в домашних условиях, часто задают такой вопрос: «какие плагины я должен использовать при сведении» или «подскажи мне идеальный метод и цепочку плагинов для профессионального сведения, КАК СВОДИТЬ ПРОФЕССИОНАЛЬНО?». И я обычно говорю, что можно сделать профессиональное сведение при помощи всего ДВУХ плагинов, причем, они УЖЕ лежат у тебя в папке плагинов-эффектов! Сейчас много видео уроков и видео курсов по сведению - где видно как «учителя» вешают на слоты в микшере дорожки кучу невообразимо продвинутых плагинов и эффектов обработки, - которые может, и делают звук инструментов лучше, но сам микс целиком и процесс сведения - не всегда.
Если спуститься в корень сведения и заглянуть в суть самого сведения, то нам нужны всего три параметра звука, что бы получить в результате отличный микс на мастере, и это громкость, частота и динамика ! Громкость мы регулируем при сведении в FL Studio или другом секвенсоре, за счет фейдера самой громкости дорожки на нашем микшере. И теперь частоты и динамика… Что это может быть. Я думаю, если вы свели самостоятельно хотя бы пару ваших треков на компьютере, то вы понимаете, про какие 2 плагина я поговорю в этой статье. Большинству понятно, что это эквалайзер и компрессор.
И действительно, для того, что бы свести трек на профессиональном уровне, вам нужны только эти 2 плагина. Эквалайзер и компрессор. Я не заставляю вас отказаться и выкинуть все плагины пространственной и другой обработки звука, они важны, а иногда так же необходимы для хорошего сведения, но в самом корне, БЕЗ них вы можете обойтись и получиться профессионально сведенный трек в вашем секвенсоре, используя лишь эквалайзер и компрессор.
Но вопрос теперь стоит так - почему же Я, уже тысячу раз использовал эквалайзер и компрессор (причем, иногда не один на дорожке) ни разу не получал идеального сведения в FL Studio? Да, мне знакома эта цепочка EQ+Compressor и я ей много раз уже пользовался - где же мой идеальный микс ? Конечно же, стоит уметь применять должным образом вот эту самую цепочку «эквалайзер + компрессор», так как именно вот в этом простом построении последовательности звуковой обработки и кроется понятие ХОРОШЕГО СВЕДЕНИЯ и фраза «такой-то инструмент хорошо сидит в миксе» - так же кроется в этом принципе. Плюс, мы помним про нашу громкость на микшере, так как это понятие должно выскакивать у вас в голове первым делом, когда вы слышите слова «сведение» или «микс»! Лично я, когда слышу слово «микс», то вижу перед собой Дейва Пенсадо, регулирующего фейдеры громкости на своей консоли в Pensado’s Place, и для меня эта картина выскакивает просто потому, что я часто учусь от него и всегда слежу за выпусками Pensado.
Дорожки вашего трека идеально сводятся на мастере, в том случае, когда все частотные составляющие этих дорожек по минимуму конфликтуют друг с другом, и все нужные частотные регионы каждой дорожки доходят до слушателя должным образом (+ без искажений и неприятных перегрузов) через общий микс, который в свою очередь несет в себе по большей части ВЕСЬ частотный диапазон. И как реализовать все это многоэтажное определение в действительности и в моем секвенсоре? Все достаточно просто! С помощью эквалайзера, поставленного ПЕРЕД компрессором на нашей дорожке микса, мы будет ВЫРЕЗАТЬ (а не прибавлять) частотные составляющие нашей дорожки, и с помощью компрессора мы будем поднимать уровень оставшихся частот до нужного уровня - параллельно УМЕНЬШАЯ динамический диапазон нашей составляющий микса.
Узнаете? Да, это стандартный плагин обработки в вашей FL Studio - Parametric EQ2.
Как вы, наверное, уже слышали - стоит первым делом срезать все не нужные нам частоты из начального спектра нашего инструмента и из его конечно спектра - Все правильно! Так и делаем, единственное, что хочется заметить и подчеркнуть - вырезайте действительно все НЕ НУЖНЫЕ частоты из начала и конца! Если ваш инструмент или составляющая микса начинает терять его основной спектр - частотный регион, на котором он более активен - возвращаемся назад. НАМ НЕ НУЖНО ТЕРЯТЬ рабочей частоты инструмента, так как она естественно нужна нам в миксе как никогда! Следите еще за тем, что вам нужно от инструмента! Например, в танцевальной музыке, от фортепиано, зачастую, требуется яркость и цвет в общий микс, а кинематографические саундтреки, в свою очередь, иногда хотят от фортепиано глубины и полноты звучания.
Следующий важный момент сведения это то, что каждый инструмент имеет свой частотный регион или область и нам следует по минимуму накладывать друг на друга инструменты, со схожими рабочими областями. А если это и требуется, выходы всегда есть: и это панорамирование или же, если требуется, то Sidechain компрессия - но, так как статья не про «методы решения частотных конфликтов у схожих инструментов» , а про главные инструменты профессионального сведения - сейчас у нас нет времени окунаться в это. Итак…
Это был первый момент с эквалайзером… Второй, ВАЖНЫЙ момент - удаляйте все пиковые частоты (те частоты и пики, на которых этот инструмент через чур активен), как правило такие регионы и пики есть, и бывает, что не по одной штуке на инструмент! И вырезайте, конечно же, исключительно узкими полосами, (помним золотое правило любого звукорежиссера: «при работе с эквалайзером мы вырезаем узкими полосами, добавляем (хотя я бы не советовал вообще при работе с эквалайзером «добавлять» амплитуды частотам) более широкими». И почему я не советую добавлять амплитуды частотам, хотя многие это делают и миксы получаются просто отличные… Представьте себе аналогию со скульптором; он берет целый блок камня и уже из целого блока этого камня вырезает скульптуру с фигурой и всеми мелочами, которые он хочет, и ни чего не добавляет сам! Этому принципу МЫ должны следовать и при сведении \ обработке трека. Так как уже после эквалайзера мы ставим в нашу цепь компрессор, который уже из всего вырезанного нами спектра, подчеркивает и увеличивает ВСЕ, что мы хотели оставить и донести до слушателя, от отдельно взятой дорожки микса или инструмента. И как найти эти активные пики и регионы? Изобразите вот что:
Сделайте нужную полосу вашего эквалайзера достаточно узкой и пробегитесь по всему частотному диапазону каждого инструмента или семпла - от слишком активных пик и регионов ваши ужи немного заболят (не переборщите с этим - не нужно, чтобы после сессии сведения у нас шла кровь из ушей)). Там, где вы найдете излишние зашкалы и давление - это нужные вам пики для понижения и выреза!
И вот что получилось у меня (в этом случае обрабатывался рояль засэмплированный на плеере KONTAKT) и здесь я вырезал кроме крайних, не присущих роялю регионов, только ОДИН регион частот (подчеркну в моем случае ОДИН):
Можете сказать «зачем ты вырезал так много низких частот - это же РОЯЛЬ! Там - самая глубина у инструмента!» Помните, я говорил выше - знайте, что вам нужно от инструмента! В моем случае пишется не живая композиция - а более танцевальный трек, где я хотел от рояля передать только его реалистичность, мягкость и яркость в мой микс.
Итак, в данном случае только один вырез - и тот случается на определенной ноте, КОТОРАЯ в прописанной партии звучит чаще остальных. Здесь важный момент! Если ваши инструменты (это не одиночные семплы) имеют широкие нотные, игровые диапазоны, будут ноты, у каждого или почти каждого инструмента, которые проявляют себя активнее остальных, и среди них будут через чур активные - их мы и хотим немного успокоить (у них естественно есть свой пиковый регион, и почему я советую использовать при сведении в FL STUDIO именно Parametric EQ2 - так как он показывает нам наглядно, как на блюдичке, что, где и когда активно и на сколько активно). И не забываем про регионы излишней активности инструментов или семплов, как таковых.
Все что осталось в наших частотных диапазонах отдельных дорожек микса теперь передается компрессору на каждой дорожке на дальнейшую обработку. И здесь ваш выбор!
Вы можете использовать встроенный во Fruity Limiter однополосный компрессор, что может быть самым подходящим орудием в вашей ситуации!
Или же использовать (если ситуация требует этого и нужна разная компрессия для разных частотных областей) встроенный многополосный компрессор Fruity Multiband Compressor.
И если уж ситуация совсем тяжкая и нужна тяжелая артиллерия - глубокая компрессия и не только, то возьмите Maximus (подробный видео обзор которого, я сделал в этом видео , с примерами обработки и сведения).
Но чем бы вы не уменьшали динамический диапазон и не доводили общий уровень, помните, что, скорее всего вам хватит и стандартного однополостного компрессора а FL Studio. Здесь, наша задача на компрессоре, стоит в том, что бы сравнять (сгладить) излишние громкости \ пики дорожки (инструмента) и поднять менее слышимые регионы до требуемого уровня. И помните результат после эквалайзера - мы автоматически поднимаем нужные нам вещи (частоты). А если вы слышите в результате вашей работы над дорожкой, какие то зашкалы и излишнее давление после проделанной работы с эквалайзером - или вы переборщили с компрессией (помним в компрессии тоже есть законы и принципы как ни где в другой области обработки - без фанатизма ) или же возвращайтесь именно к эквалайзеру и ищите эти пики, значит, они есть в вашем инструменте! …Если же вы в корне не понимаете принцип работы компрессора и вы - полный новичок в этом деле - это тема для другой статьи и совершенно другой разговор, который стоит назвать ОСНОВЫ РАБОТЫ С КОМПРЕССОРОМ!
Вот как с помощью двух простых и стандартных инструментов, плюс базового метода выреза ненужных и поднятия нужных частот, можно добиться хороших профессиональных результатов. После этого вы - свободны, пользоваться пространственной обработкой - или чем-то еще, что есть в вашем супер-мега арсенале звукорежиссера. Стоит помнить главное - всегда делайте результат лучше прежнего, а не усугубляйте положение и звучание вашего трека, если обрабатываете какими-то дополнительными эффектами - то сравнивайте результат до и после этого эффекта, при помощи простой кнопки (функции Bypass) на вашем слоте микшера. А если ваш микс звучит в результате не так плотно и аккуратно, как вы хотели - возможны проблемы с изначальным уровнем громкости ваших инструментов и дорожек, здесь я могу посоветовать применить при сведении способ «воронки» или «сведение на минимальных уровнях», об этом я ранее рассказал очень плотно вот в ЭТОЙ статье .
Вот и все что я хотел вам донести по поводу этих важных моментов любого профессионального сведения как в FL Studio, так и в любом другом секвенсоре. Главное что бы вы поняли основной принцип и этот главный принцип сведения начал приносить вам отличные результаты, если же вы хотите узнать про этот принцип сведения электронной музыки со всеми его подробностями и ухищрениями, то советую ознакомиться с нашим полным обучающим видео курсом по этой теме " а", где данный метод затрагивался не раз и во всех деталях на практике, ПРИОБРЕСТИ КУРС И УЗНАТЬ ВСЕ ПОДРОБНОСТИ можно .
Подписывайтесь на нашу рассылку статей и исключительно ценных видео материалов, так как именно здесь - на блоге, происходят все интересные вещи и появляются ценные материалы. До скорых встреч в следующих видео-уроках и статьях, на этом у меня все!
Программа Virtual DJ по функциональности полностью заменяет диджейский пульт. С ее помощью можно соединять музыкальные композиции применяя различные инструменты, музыка плавно накладывается друг на друга и звучит как единое целое. Давайте посмотрим как это делается.
Как сводить треки в Virtual DJ
Под сведением треков понимают их соединение и наложение друг на друга. Чем лучше подобраны музыкальные композиции, тем качественнее получится новый проект. Т.е выбирать лучше чем-то похожие треки, хотя это уже зависит от предпочтений и профессионализма самого диджея. Итак, начнем.
Для начала работы нам потребуется два трека. Один мы перетянем на «Деку1» , второй на «Деку2» .
В окне каждой «Деки» есть кнопка «Play» (прослушать). Включаем главный трек, который находится справа и определяем в какой части мы будем накладывать на него второй.
Над кнопкой «Play» есть звуковая дорожка, кликая на нее можно осуществлять перемотку композиции.
Сразу хочу обратить ваше внимание на верхнюю звуковую дорожку, которая отображена крупным планом. Именно в ней видно как эти два трека соединяются. Они обозначены разными цветами. Эти разноцветные дорожки можно передвигать, до получения нужного результата.
Когда мы полностью определились с местом откуда будет накладываться второй трек, включаем правый заново. При этом бегунок громкости ставим в правую сторону.
Не выключая воспроизведение переходим ко второму треку и ставим нижние частоты на середину. Если вы никогда не работали в подобных программах, больше настраивать ничего не нужно.
Когда первый запущенный трек доходит до контрольной точки, необходимо включить второй трек и плавно передвинуть бегунок влево. Благодаря этим манипуляциям переход становится плавным и не режет слух.
Если не убрать низкие частоты в композиции, то при наложении одной музыки на другую получится ужасно громкий и неприятный звук. Если это все будет проходить через мощные колонки, то это еще больше усугубит ситуацию.
В процессе освоения программы, можно будет экспериментировать с настройками звучания и создавать различные интересные переходы.
Если вдруг при прослушивании ваши две мелодии звучат не очень хорошо, не попадают в такт, то можно воспользоваться специальной кнопкой, которая сможет немного выровнять их.
Вот в принципе и все основы сведения. Для начала необходимо научится просто соединять два трека вместе, а затем уже работать над настройками и качеством новой композиции.
По принципу своего функционирования мало чем уступает классическим диджейским пультам. Она помогает соединить музыкальные ряды и накладывать музыку друг на друга с применением различных эффектов. Благодаря этому музыка звучит как единое целое. Попробуем сделать качественный трек и мы.
Как сводить треки в Virtual DJ
Понятие сведения треков подразумевает их соединение и наложение. Чем качественнее выбраны аудиоряды, тем лучше получится музыка. Рациональнее выбирать музыку с минимальным сходством. Впрочем, это уже зависит от предпочтений конкретного диджея и его профессионализма. Начинаем.
Берем два трека. Первый ставим на деку1, а второй – на деку2.
В окне каждой «Деки» есть кнопка «Play». Воспроизводим главный трек, расположенный справа, и решаем, в каком его моменте произойдет наложение второго.
Над кнопкой «Play» размещена звуковая дорожка, клики по которой помогают перемотать музыку.
Обратите внимание на верхнюю дорожку, отмеченную крупным планом. Во время ее проигрывания можно просмотреть принципы соединения трека. Их стык отмечен разными цветами. Разноцветные дорожки можно двигать, пока не получится нужный результат.
Определившись с нужным нам местом для наложения второго аудиоряда, включаем снова правый. В правую сторону необходимо переместить и бегунок громкости.
Не выключая проигрывания, переходим ко второму аудиоряду. Нижние частоты ставим на середину. Если у вас нет опыта работы с программой, ее дальше можно не настраивать.
Когда первый проигрываемый музыкальный ряд дойдет до точки контроля, активируем второй и плавно переносим бегунок в левую сторону. Так мы сможем создать плавный переход, который не будет резать слух.
Если пользователь не будет удалять из музыки нижние частоты, при наложении одной мелодии на вторую получится крайне ужасный звук. Если он, с учетом повышенной громкости, будет транслироваться по колонкам, это только усугубит ситуацию.
Работая с программой, пользователь сможет самостоятельно найти оптимальное для себя звучание и создать собственные переходы.
Если при прослушивании аудиозаписи она звучит не идеально, а попадания в такт не наблюдается – нужно выровнять их при помощи специальных кнопок.
Вот мы и разобрались с основами введения в работу с программой. Собственно, для начала нужно научиться комбинировать два трека, а уже после заниматься проработкой качества композиции.
Загрузка...
